Leiko Ikemura: «Hay una tendencia a definir el arte contemporáneo a través de la provocación»

Murillo, Ribera, El Greco, Miró o Dalí son algunos de los artistas españoles que dejaron huella en la artista suiza-japonesa durante su estancia en España. Su vínculo con el país comienza con unos estudios de literatura española en Osaka y culmina con su formación en la Universidad de Bellas Artes de Sevilla. En 2022, pudimos conocer su obra gracias a la Ciudad de las Artes en Valencia, donde desplegó su mundo imaginario con seis esculturas de gran formato.

Ahora Leiko Ikemura se encuentra inmersa en la preparación de las bienales de Bangkok y Helsinki, así como en su primera individual en el Instituto Tomie Ohtake de Brasil. Hasta el 6 de abril presenta, además, Motherscape en la Albertina de Viena, ocasión que aprovechamos para hablar con ella sobre todos esos proyectos que tiene en marcha y su curiosa relación con España.

• ¿Qué cuestiones explora en la muestra vienesa?

* Motherscape no solo trata sobre la maternidad y los hijos, sino que, en un sentido más holístico, abarca toda la creación. Reflexiona sobre la creatividad, especialmente la schöpfung [creación, en alemán], con cualidades femeninas como la materialidad sensual y la conciencia corporal, así como la espiritualidad. La muestra comprende amplios paisajes que cubren todas las creaciones vitales.

• ¿Cómo se relacionan la maternidad y el paisaje?

* Es algo que se aprecia, por ejemplo, en mis grandes trabajos de la serie Génesis, donde se plasma una experiencia pictórica que permite viajar al proceso morfológico de un cuerpo femenino extendido. Metafóricamente podría ser una enorme colina, el origen de nuestro planeta.

• Es una interpretación muy simbólica de la creación…

* Sí, porque la maternidad puede ser entendida como una experiencia personal y simbólica. Yo estoy dando a luz a todas mis criaturas escultóricas y también a mis pinturas. No las “produzco”. Es una metáfora de la creatividad misma.

• En Pink Hair II o la serie Tokaido, presentes en el recorrido, vemos niñas con los ojos cerrados, como si durmieran… ¿o estuvieran inertes?

* Probablemente ese sea un momento de introspección; de encontrarse a sí misma o perderse en la posición más íntima, protegiendo su vida interior aislada del mundo. Las niñas se convierten así en una noción de soledad y vulnerabilidad, pero también son madres en potencia. Geboren werden [nacen] con la posibilidad de dar vida.

• En su obra trabaja la ternura sin caer en lo sentimental. ¿Qué valores guían su práctica artística?

* Tras décadas trabajando en Europa, concretamente en Alemania, he observado la tendencia a definir la calidad en el arte contemporáneo a través de la demostración de provocación, agresividad, fuerza y poder. En cambio, yo exploro otros valores como la sensibilidad, la ambigüedad y el cuestionamiento de la incertidumbre en nuestra época, que están cobrando cada vez más importancia.

• ¿Y en qué se inspira?

* Creo que la vida privada personal es esencia, ensueño e insomnio, y de ahí surgen pensamientos visuales. Inconscientemente, hay momentos de abandono funcional en los que esos pensamientos cobran más fuerza. También hay crisis dolorosas que despiertan mi instinto de supervivencia como artista. Viajar también me ha inspirado toda la vida, así como los encuentros con personas, animales, la literatura y las piezas que encuentro en museos y galerías.

• ¿Cómo se enfrenta al proceso creativo?

* En lo que respecta a las esculturas a gran escala, hay procesos que implican planificación, organizar los materiales y prepararse paso a paso. A veces es precisa la colaboración con otros especialistas, como los fundidores. También lleva tiempo y requiere los conocimientos técnicos necesarios.

• Ha trabajado con distintos materiales y soportes a lo largo de su carrera, ¿cómo decide en qué medio debe materializarse una idea?

* El dibujo siempre es mi punto de partida, es una forma inmediata de desarrollar formas. Ahí puedo ser generosa con mi impulso artístico. La pintura siempre ha sido mi pasión y el reto más difícil, mientras que trabajar con arcilla me ha dado libertad para jugar. Así que, en cierto modo, mis materiales están conectados, se comunican entre sí y se complementan.

• Me ha llamado la atención comprobar que estudió literatura española en Osaka.

* Al crecer en un país tan aislado, sentí la necesidad de abrirme al mundo. Los idiomas son herramientas de comunicación y el español es uno de los más frecuentes en el mundo junto con el inglés. Además, también me encantaba su sonido.

• ¿Por eso se fue a Sevilla para formarse en pintura?

* Mi estancia allí coincidió con el paso de la época franquista a la democracia. Entonces estudiaba arte en la Academia y recuerdo que era la única extranjera entre mis compañeros. Lejos de la civilización europea, descubrí que el tiempo pasaba lentamente, fundiéndose con la Antigüedad, la Edad Media y el Barroco, que coexistían bajo la influencia musulmana.

• ¿Qué impacto ha tenido en su obra esa estancia española?

* Por supuesto, Ribera, Murillo, Goya y El Greco siguen presentes en el ambiente, profundos y existenciales. Durante mis estudios, pinté al aire libre la luz en la naturaleza y me atrajo la luminosidad mediterránea. En el grabado pude descubrir la forma de expresar mi imaginación. Y también me interesaron autores surrealistas como Miró o Dalí. Todo esto son mis fundamentos artísticos.

• ¿En qué proyectos está trabajando ahora?

* Tengo algunas participaciones en bienales como la de Bangkok este año y la de Helsinki el que viene. Tokyo Atlas tendrá lugar este otoño y la próxima exposición en la Lisson Gallery de Los Ángeles también es muy emocionante. Y me hace ilusión anunciar mi primera muestra individual institucional en Brasil, en el Museo Tomie Ohtake, prevista para noviembre. Nerea Méndez Pérez