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Cristina Iglesias: «Mis obras crean una ficción de un lugar que no está presente»

La artista presenta una exposición retrospectiva en el Centro Botín, bajo el título ENTRƎSPACIOS, que recoge 20 años de su producción. Se trata, según ella misma explica, de «22 obras que no siguen un orden cronológico que se han instalado para crear diálogos, sensaciones y contrastes entre ellas».


La ciudad de Santander cuenta desde el pasado 6 de octubre con una nueva propuesta cultural para sus visitantes, y lo hace a lo grande. Quienes acudan a la capital cántabra tendrán la oportunidad única de visitar el nuevo proyecto expositivo que ofrece el Centro Botín. Se trata de  ENTRƎSPACIOS, una muestra que acoge un viaje de dos décadas por la obra de la artista vasca Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956). Su amplia trayectoria profesional, reconocida internacionalmente por sus propuestas en ciudades como Madrid, Toledo, Nueva York, Amberes o Londres –por citar sólo algunas de ellas–, ha sido objeto de varios reportajes en nuestra revista (véase aquí, aquí y aquí).

Incansable, trabaja ya en un nuevo proyecto para transformar el faro de Santa Clara de su ciudad natal. Iglesias ha hecho de la abstracción un lenguaje, en ese deseo que ella misma apunta de tener su propia voz artística en ese intento por escapar de alguna manera de sus orígenes y de su formación en la escultura vasca. Aprovechamos la oportunidad de la presentación de su última exposición ante los medios para conversar con la artista.

-¿Qué tiene de especial esta exposición y qué la diferencia de las anteriores?  

-En esta ocasión la muestra invita a deambular, a caminar por ella. Es un viaje en sí, de manera que el espectador circula de lo liviano a lo completo y viceversa. Por eso la colocación de las 22 obras no sigue un orden cronológico, sino que se han instalado para crear diálogos, sensaciones y contrastes entre ellas.

ENTRƎSPACIOS tiene la particularidad de comenzar fuera del edificio, y esta es otra de las diferencias que la hacen única. Arranca en Desde lo subterráneo (2017), obra compuesta por cuatro pozos y un estanque en piedra, acero y agua que se articula en los Jardines de Pereda como antesala del edificio diseñado por Renzo Piano. El agua funciona como “ese otro mar que está debajo de lo que pisamos; ese que aún va por debajo de la ciudad y que acaba siendo otro jardín, pero subterráneo”.

Ese agua, como indican tanto la artista como Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín, y Vicente Todolí, es también un eje vertebrador de la muestra. No en balde, esta, su movimiento, su sonido y su interacción con los materiales vuelven a estar presente en la primera sala de la exposición en Pabellón de Cristal I (2014), un espacio cerrado donde el visitante, al entrar en él, se sitúa literalmente sobre una rejilla bajo la cual fluye el liquido; y lo está también en el último de los espacios, donde se ha situado Growth I (2018). Esta pieza, creada especialmente para la exposición, se abre hacia la bahía de Santander jugando con otro elemento esencial en su obra: la luz. En este recorrido hay además otro elemento formal que los une: “el color verde está presente en todas ellas, de manera natural en el jardín, y después en los elementos vítreos de Pabellón de Cristal I y Growth I”.

– Seleccionar 22 piezas no habrá sido fácil con una producción tan amplia, le habrá llevado tiempo.

-La propuesta para exponer en Santander se me propuso hace años, cuando aún no estaba construido el edificio de Renzo Piano. Después hay que tener en cuenta el proceso de creación, a partir de mis conversaciones con el arquitecto italiano, de Desde lo subterráneo, que se retrotrae al año 2014.

-Los materiales y sus texturas son fundamentales en su obra, ¿cómo han ido cambiando?

-El recorrido por esta exposición permite precisamente ver la multiplicidad de todos ellos. Aquí están presentes elementos tan variados como el aluminio, el cristal, el hierro dulce [que se trenza a modo de tiras de esparto], el fibrocemento, el ámbar, la resina, la madera y un largo etcétera. Todos ellos juegan en torno a una idea de ficción, de trabajar en un campo que parte de lo natural, de espacios vegetales inventados que invitan a perderse, a buscar y encontrar. La literatura también está muy presente en mis obras; por ejemplo El mundo de cristal (1996) de J. G. Ballard relata un viaje por el bosque que se deja sentir en mi última creación Growth I.

-¿Cómo definiría su producción?

-Creo que mis obras crean una ficción de un lugar que no está presente, de un espacio soñado que se crea a partir de la percepción del espectador. En ello juega un papel fundamental la proporción. Trabajo con una escala humana y, aunque el cuerpo no está presente como tal, la pieza se completa cuando el espectador la recorre y percibe a su manera. A veces, mis obras pueden construir un remanso de paz, pero también hay un punto oscuro, que perturba y afecta al público.

-¿Qué ha cambiado durante estas dos décadas en Cristina iglesias?

-Es una pregunta compleja de responder. Creo que con el paso del tiempo mis obras se han ido abriendo para ocupar cada vez más espacio. Siempre he sentido que voy desarrollando un lenguaje en el que cada pieza añade nuevas perspectivas. Las colaboraciones con arquitectos y el espacio urbano que intervengo siempre son una oportunidad para crecer, como en el caso de Deep fountain (Amberes, 2006) o Desde lo subterráneo (Santander, 2017).

-¿Hacia dónde se dirige ahora su creación?

-Lo que he presentado este mismo año en Nueva York supone ya un cambio. Mi obra se ha vuelto más orgánica y ha comenzado a escaparse de las estructuras de la habitación que las acoge. Creo que empiezan a crecer desde el suelo nutridas por una humedad fingida y se escapan sin un orden aparente. Se mueven y se giran. Es una evolución que se puede apreciar en las obras aquí expuestas, desde las primeras hasta las más recientes.

ENTRƎSPACIOS estará abierta al público en el Centro Botín de Santander hasta el próximo 3 de marzo de 2019. Ha sido posible gracias a la colaboración de la Obra Social La Caixa.

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